張藝謀的電影風格和特點（作為時代的一塊）
2023-06-09 18:02:08 2
中國電影的第一次黃金時代是30年代的左翼電影運動。
此後由於戰爭導致中國電影的發展出現了停滯，但解放後，在第三、四代的努力下，締造了中國電影的第二個黃金時代。
第四代導演落幕後，將這杆大旗交到了第五代導演手中，張藝謀、陳凱歌、黃建新、田壯壯等人不辱使命，至今仍然發揮著餘熱。
1982年，張藝謀、張軍釗等人從北京電影學院畢業後，被分配到了他們最不願意去的廣西電影製片廠。
那時候的交通不怎麼發達，廣西都地處西南最邊上，文化氛圍也不濃厚，張藝謀找領導商量了幾次想調換都沒成。
看著其他同學去了上海電影製片廠、北京電影製片廠、西安電影製片廠，他只能露出羨慕的眼光，收拾起行李，跟著其他三位同學踏上了去往廣西的火車。
既來之則安之，來都來了，總不能卷著鋪蓋捲兒再回去吧。
一到了廣西電影製片廠，張藝謀就和同學們到處打聽廠裡的領導喜歡什麼樣的劇本，希望能儘快拍電影。
這股子執拗的勁兒讓他們有所發現。
當時的廠領導比較追捧《一個和八個》，但廠裡沒什麼導演願意拍，於是他們決定自己上手。
審批很快就通過了，張藝謀、張軍釗四人立刻組建起了電影班底，《一個和八個》很快成型，打響了第五代導演的第一炮。
有了《一個和八個》的成功，張藝謀迎來了電影上的三級跳。
第二年在陳凱歌的處女作《黃土地》裡擔任攝影師，以打破常規的攝影構圖獲得了金雞獎最佳攝影。
片中的攝影不同於第四代導演的規整，以人為中心，張藝謀則是將人物縮小化，突出天地，表現一種尋根究底的視覺觀感。
正因為這種變化，讓觀眾在看《黃土地》時會發現，鏡頭會刻意地拉遠或放低，就是為了讓角色不喧兵奪主，使黃土和天空成為主角。
這種大膽的創新也讓《黃土地》在中國影史上有著舉足輕重的地位，打破了以故事敘事的邏輯，引領了用畫面敘事的潮流。
很多人詬病第五代導演普遍不會講故事也與這有關。
其實是他們創新了非線性敘事的方式，讓華語電影更加豐富了，可惜的是，這種在視聽語言上的嘗試已經很多年難以見到了。
現在國內電影的大環境就是唯票房論，票房高就是好電影，導致像張藝謀、陳凱歌這樣的第五代導演顯得不合時宜。
他們的電影票房累計加起來都沒有吳京多，甚至連只導演了一部電影的賈玲都比不過。
這種現象讓很多人抨擊張藝謀、陳凱歌等老一輩導演，認為他們早就該退位讓賢，因為年輕人已經不喜歡他們了。
可這些人在評價張藝謀、陳凱歌等人時，總會忽略他們對中國電影做出的貢獻，以《長城》《無極》無限調侃。
也許，陳凱歌執著於老端著、愛面子、瞎講究，讓他落後於這個時代。
但是張藝謀確確實實一直在跟著時代的腳步走，他很清楚現在的年輕人成長於影像時代，看東西講究快節奏。
而來自文字時代的他，如果還像以前一樣過度注重電影的文學性，可能早就被淘汰了，於是他讓自己成了時代的一塊「磚」。
實際上，張藝謀作為「磚」的屬性從他走上電影之路就有了。
1986年，吳天明籌備《老井》，其他演員都已經找齊，唯獨男主遲遲未定。
吳天明想找一個身形消瘦，臉上有刀劈斧刻感覺的人，張藝謀最符合，勸了很久，張藝謀答應出演。
這一出演可不得了，張藝謀一舉拿下了三座影帝獎盃，東京國際電影節影帝更是國內第一個A類電影節影帝。
從攝影到演員，張藝謀實現了完美轉身，之後他走向了第三跳——當導演。
1987年，張藝謀看了莫言的小說《紅高粱》，對此愛不釋手，便決定將其作為自己的第一部電影。
吳天明對張藝謀大力支持，冒著風險為他湊了四萬塊，種上了電影中最重要的主角紅高粱，該片才得以成型。
電影拍完後，張藝謀將在片場穿爛的一雙鞋埋在了黃土之下，發誓「此部電影不成功，以後再不拍電影」。
可是，大師總是被時代眷顧的。
《紅高粱》出來後，在柏林電影節大放異彩，榮獲金熊獎。
張藝謀在《紅高粱》中不僅在畫面上保持了《黃土地》時期的大膽，還運用了色彩講故事。
片中最主要的顏色是紅色，紅色的漸變色代表了電影的情緒、劇情的推進。
暗紅、正紅、深紅，不同的變化對照不同的場景，也傳達著主角對周遭事物的態度。
一開始九兒出嫁時是暗紅，預示著悲劇的來臨，李大頭死後，九兒接管了酒坊，顏色成了正紅，寓意將來的日子紅紅火火。
最後，日本人到了青沙口，燒殺搶掠，無惡不作，九兒他們與侵略者結下了國讎家恨。
影片一轉之前的淺色系，直接過渡到深紅，片尾一幕，張藝謀讓整個畫面都成了深紅。
血紅帶來的強烈視覺衝擊，讓觀眾無比震撼的同時也能感受到片中人物的仇恨和悲傷，以及怒火燒不盡的抗爭。
這種對色彩的精準把握後來也成了張藝謀的特色。
《菊豆》中的色彩和構圖相較於《紅高粱》，張藝謀的使用更加自如了。
《紅高粱》是熱情、奔放、大膽，姊妹篇《菊豆》是含蓄、內斂、隱忍，更符合中國人的性格。
為了表達《菊豆》中的情愫，張藝謀運用了很多色彩蒙太奇。
鞏俐飾演的菊豆和李保田飾演的楊天青有很多場情慾戲，但張藝謀並沒有直接將其拍出來，否則影片也落俗了。
而是藉助染坊這個場景，用不同顏色的布，布掉入染池的聲音，制布時的快慢來反映嬸子和侄兒的私情與內心的掙扎。
在構圖上，《菊豆》略遜於《大紅燈籠高高掛》。
《大紅燈籠高高掛》將張藝謀攝影構圖的儀式感和形式感發揮到了極致，是張藝謀生涯中構圖最佳的作品。
在張藝謀的導筒下，片中的畫面都是方正型的，有進入大宅門之前是人，進入之後成了囚的視角效果。
那種陰冷、壓抑的順從，突破、反抗的覺醒，都被禁錮在四四方方的畫面裡，點燈、滅燈、封燈成了她們的一生。
戲裡有很多對稱的畫面，這是張藝謀的刻意為之。
他用對稱來彰顯大宅院內的女人們逃無可逃，她們看似走出了院門，實則是從一個監牢進入了另一個監牢，本質上沒有任何變化。
這種手法更能體現封建禮制吃人的可怕，人性本來是純潔的，可是踏入深門宅院後，囚禁與爭鬥帶來的精神折磨讓人性喪失，出路只剩變瘋和被殺。
這種對視聽語言的不斷革新，讓《大紅燈籠高高掛》僅憑構圖就能完美複製《圍城》中的狗與水中肉的圍城人。
《紅高粱》《菊豆》《大紅燈籠高高掛》三部電影之後，張藝謀哪裡需要哪裡搬的「磚頭」屬性又被激發了。
《秋菊打官司》讓張藝謀成為了國內第一個在電影中使用大量偷拍鏡頭的導演，紀實性的手法也讓他斬獲威尼斯金獅獎。
電影有強烈的現實主義情懷與文化批判意識，深度探討了普法概念，以及中國社會的觀念演進，使其成為了時代的印記。
其實，如果《秋菊打官司》之後，張藝謀依然堅持拍鄉土題材，他也是一位大師。
可是，創新意識深入骨髓的張藝謀又帶來了一部城市題材的黑色幽默《有話好好說》，完全不像張藝謀的電影。
在這部電影中，張藝謀用了大量跳切的剪輯手法。
又用全程手持和肩扛的鏡頭來製造晃動感，以及近景的大特寫，就是為了突出角色內心的躁動和不安。
同時，片中還有很多傾斜和歪扭的不規整構圖，張藝謀用這種最直觀的感受，讓觀眾跟著主角一起瘋。
不過，令人感到遺憾的是，張藝謀就拍了這麼一部類型片，如果多拍幾部，恐怕馮小剛就得靠邊站了。
到了世紀之交，張藝謀用一部《我的父親母親》讓電影簡單化。
後又用一部《英雄》把自己之前幾十年的積累全部傾瀉出來，自此之後，張藝謀的電影便再無創新了，都是對過去的重複。
不論是《影》《金陵十三釵》，還是《歸來》《一秒鐘》，在色彩、構圖、攝影等視聽語言和美術設計上，都很難超越前作。
但是，許多人都忽略了一點，張藝謀是拍主旋律最好的導演。
從左到右的張藝謀，思想有了轉變，但他的《懸崖之上》《狙擊手》卻沒怎麼歪，反而是近兩年主旋律影片評分最高的兩部電影。
不同於《戰狼2》的個人英雄，《紅海行動》的外交事件，張藝謀對過去故事的詮釋是管虎之流所不能比的，也沒有造成大的輿論效應和國際影響。
這種主旋律恰恰是現在最需要的，既可以獲得觀眾的認可，又能夠平穩過渡，若主旋律都是這種水平，觀眾很樂意掏錢進電影院。
對於張藝謀來說，失去了創新，或許有些可惜。
但是現階段的張藝謀已經不去強迫自己去追求藝術上的一鳴驚人了，而是更享受拍片帶來的快樂。
正如他自己說的那樣，我覺得現在的我就是一個職業導演，有好劇本就拍，不能浪費生命的每一秒。
,
