導演能考什麼學校（2022藝考報考導演的女同學）
2023-10-10 02:21:18 1
01
導演：簡·坎皮恩（Jane Campion，紐西蘭，1954〜 ）
代表作《鋼琴課》（The Piano，1993）
《鋼琴課》不僅僅是一個偉大的愛情故事，這也是一個女人逐漸探索內心、認識自我的故事。起初，艾達沒有能力說出自己的欲望，但從自我釋放的那一刻起，她就能做到真正地去追尋對自己欲望的滿足。即使在最後關頭，慌張的尼爾企圖打著懲罰的旗號徹底殘廢愛達的時候，也無法打敗她了；這只會讓她更加充滿渴望地表達自我。
故事背景設定在19世紀中期，改編了經典的藍鬍子民間故事，將霍莉·亨特塑造成一個沉默不語、看似溫順的愛達，嫁給了一個冷酷無情的陌生人（山姆·尼爾飾），然後被送到他遠在紐西蘭荒蕪的西海岸的家裡。在女兒和鋼琴的陪伴下（安娜•帕奎因飾演並因在電影中的出色表現獲得奧斯卡獎），愛達並不關心世界，而是沉浸在自己的音樂中。
02
導演：阿涅斯·瓦爾達（Agnès Varda，法國，1928〜2019）
代表作《五至七時的克萊奧》（Cléo from 5 to 7，1962）
等待化驗結果的年輕女歌手克萊奧忐忑不安地遊蕩在巴黎街頭，偶遇形形色色的人物，發生了各種故事。為了增加「新浪潮」所推崇的紀實美感，影片時間和現實時間基本保持一致，人物與空間、道具、鏡頭等調度不僅精確而且充滿意趣，創造出一種在現實和虛構中意味深遠的循環。該片獲得了第15屆坎城電影節金棕櫚獎的提名。
瓦爾達素有「新浪潮祖母」的美譽。其1954年自編自導第一部劇情長片《短角情事》後，以獨特的敘事結構及低成本的製片方式，被視為法國新浪潮的先聲。在成名之作《五至七時的克萊奧》之後，《幸福》和《無法無家》更確立了她在世界影壇的地位。實驗性的藝術探索、強烈的政治傾向與女權主義思想構成了她鮮明的風格特色。
03
導演：香特爾·阿克曼（Chantal Akerman，比利時，1950〜2015）
代表作《讓娜·迪爾曼》（Jeanne Dielman，1975）
影片由米歇爾·勒格蘭德配樂，讓-呂克-戈達爾和安娜·卡裡娜客串。情節圍繞著塔羅牌，存在主義恐懼，和內化的厭女症展開。《五至七時的克萊奧》在1962年首映後，阿涅斯·瓦爾達藉此片成為法國新浪潮時期的重要導演之一。但是57年過去後，這部電影一點也不過時，不管是那種毫不費力的年輕感覺，還是那種對未來的深切焦慮。從這種角度上來說，克萊奧令人唏噓的名言（只要我還漂亮，我就活著）甚至可以作為拉娜·德·雷德的歌的標題。
這種永恆源於瓦爾達作品寓言般的特點，影片講述了金髮女主人公焦慮等待癌症檢測結果的90分鐘。克萊奧（科琳娜·馬爾尚飾）曾經以為自己會永遠活著，也許她確實會長壽，但在一個夏末午後發生的一切似乎都在告訴她是生命是多麼短暫；無論是唱流行歌曲，坐計程車兜風，還是與註定要重返阿爾及利亞戰爭的士兵調情，自戀的克利奧都被死亡的徵兆包圍著。從一個完美的場景到另一個場景，在一系列令人難忘的鏡子畫面的刺激下，瓦爾達漫不經心地嘗試著調和對美的需求和自我反思的危險，她的不斷突破引起廣大觀眾共鳴。
04
導演：克萊爾·德尼（Claire Denis，法國，1948〜 ）
《軍中禁戀》（Beau Travail，1999）
在一個法屬殖民地的駐軍營中，有著英俊相貌和威猛身材的新兵桑泰恩與司令官布魯諾相愛，引起中尉布格羅普嫉妒。該片擁有大膽的鏡頭風格和冷酷的表述口吻，美國影評人史蒂芬·賀爾頓（Stephen Holden）曾用「性感的樸實」形容影片中大量存在的大膽對比，相當精闢。
法國電影界以擁有全世界最大比例的女性電影創作者為自豪，她們創作的多元性也使「女性電影」的概念得以邁出女性主義的視域。作為女導演，德尼絲毫不忌諱對情色、血腥與暴力的直觀表現。法國的電影土壤與非洲的生活經歷塑造了她獨樹一幟的美學風格。
05
導演：索菲亞·科波拉（Sofia Coppola，美國，1971〜 ）
《迷失東京》（Lost in Translation，2003）
索非亞·科波拉的第二部電影講述了置身於人群中能有多麼孤獨，或者說，置身於世界上最大的城市會有多孤獨。這部電影用獨一無二的細膩手法描寫了處於茫茫人海中的感覺。過氣電視明星鮑勃·哈裡斯(比爾·默瑞飾，這是演員本身詮釋過最打動人心的角色)和年輕任性的研究生夏洛特(斯嘉麗·詹森飾，同上)一樣，都無法理解東京宛若外星的城市風景。這一點迫使他們面對自己的陌生感，並促使他們之間建立了聯繫。這種聯繫既短暫維持了幾天，也在兩人的未來中延續。科波拉典型的如薄紗般的拍攝和數十個顯眼的推動點很容易使得《迷失東京》局限於美國白人的優越感視角。不過，鮑勃和夏洛特用苦樂參半的方式改變對方，這點與普世真理的溫柔產生了共鳴。洛克希樂隊（Roxy Music）的評論很有道理：沒有比這更重要的。
06
導演：維拉·希蒂洛娃（Věra Chytilová，捷克斯洛伐克，1929〜2014）
《雛菊》（Daisies，1966）
專門研究東歐電影的赫伯特·伊戈爾（Herbert Eagle）教授曾表示，如果全球能有更多影迷認識維拉·希蒂洛娃，她的《雛菊》肯定是一部世界級的傑作。這部電影講述了兩個都叫瑪麗的少女面對混亂的世界決心「墮落」的故事。影片看似荒誕，兩個嬌憨少女的乖張怪誕讓人瞠目結舌；先鋒蒙太奇、波普藝術的運用更給人帶來視覺、邏輯上的混亂感受。但恰恰藉助於這種現代的表現形式，電影才巧妙地實現了對物質與精神嚴重失衡時期的批判，給人以特殊的審美體驗。
在法國新浪潮電影的影響下，上世紀60年代的東歐導演普遍聚焦自由、民主、和平，對小到個人情感，大到國家命運，都給予了生動的詮釋。《雛菊》可以說是捷克新浪潮電影的「開山之作」，導演希蒂洛娃也憑藉這部作品成為捷克新浪潮中形式主義先鋒派的代名詞。
07
導演：凱薩琳·畢格羅（Kathryn Bigelow，美國，1951〜 ）
《拆彈部隊》（The Hurt Locker，2008）
《拆彈部隊》開啟了凱薩琳·畢格羅（KathrynBigelow）職業生涯中最激動人心的時期。這是一部基於在伊拉克戰爭中陸軍亡命連拆彈組的經歷創作的懸疑電影。靠這部電影畢格羅第一次打破了奧斯卡的先例，成為首位獲得奧斯卡最佳導演獎的女性導演。但無人會將這一巔峰成就僅僅歸功於電影界的進步，而是歸功於她的卓越導演才華。她將觀眾熟悉的化險為夷情節轉化成深入人心的經歷。結局中的重頭戲刻畫了身處腹地戰鬥的精英們對以命換命的冒險中毒般的渴望。這是一部引人入勝的驚悚片，驚心動魄又不失真實思考。馬克·鮑爾（Mark Boal）寫實風格的劇本為每個場景注入了一股深刻的現實主義暗流，但《拆彈部隊》尤其令人欣慰的是在鞏固了畢格羅幾十年的電影製作技藝的同時，又升華了它。
08
導演：瑪倫·阿德（Maren Ade，德國，1976〜 ）
《託尼·厄德曼》（Toni Erdmann，2016）
一位愛惡作劇的父親試圖通過虛構一個人物託尼·厄德曼來修復與女兒的關係，同時幫助女兒重尋生活方向。父親這一角色尤其動人，他出其不意的古怪幽默，不按常理出牌的行徑，想把女兒從殘酷的職場、空虛的人生中解救出來的努力，以及這努力的徒勞，既讓觀眾的情緒為之牽動，也引發人們思考。2016年，從未有過坎城履歷的瑪倫憑藉該片一舉入圍主競賽單元，以坎城場刊史上最高分3.7（後來被李滄東的《燃燒》超越）的黑馬成績提名金棕櫚。
作為德國新生代導演，瑪倫善於在日常生活的小事中發現人性的深刻之處，她的作品往往以簡潔而又生動的鏡頭風格表現出對生活的觀察與思考。
09
導演：安德裡亞·阿諾德（Andrea Arnold，英國，1961〜 ）
《魚缸》（Fish Tank，2009）
在2009年《魚缸》首映時，安德裡亞·阿諾德已經斬獲坎城殊榮並獲得了奧斯卡短片獎，但這部講述成長的電影證實了這位英國導演理應躋身世界最佳導演之列的不爭事實。《魚缸》由凱蒂·賈維斯主演，她飾演一個15歲的女孩，與母親的男友(麥可·法斯賓德飾)開始了一段婚外情。這部電影是迄今關於女性性徵作品中最為大膽的幾部中的之一。阿諾德用手持攝像機捕捉到了主人公的性覺醒和情感騷動，畫面震撼人心。導演在拍攝前並沒有給演員們完整的劇本，而是決定在拍攝當天告訴他們這一天的故事情節。而臨場發揮的能量和探索的感覺也正是每一個場景的核心。
10
導演：茱莉·黛許（Julie Dash，美國，1952〜 ）
《大地的女兒》（Daughters of the Dust，1991）
朱莉·黛許1991年的開創性歷史劇可以說是過去30年最重要的電影之一。這是第一部由非裔美國女性創作執導且在廣大影院上映的劇情片。影片生動地描繪了1900年代初的古勒文化——古勒人是非洲奴役的後代，後在南卡羅來納州以及喬治亞州沿海和島嶼上定居。部分歸功於亞瑟·賈發令人驚嘆的彩色電影攝影技術，電影捕捉到了皮贊特一家人的最後一次聚會，因為家裡的年輕人準備為了充滿希望的大陸而離開島嶼和他們的女族長，娜娜·皮贊特（科拉·李·戴飾）。《大地的女兒》讓人們回想起1803年伊博人登陸的神話，因此，影片至今仍能引起大眾共鳴，比如對碧昂絲的視頻專輯《Lemonade》的影響。最近，在攝影師賈發的指揮下，這部電影第一次通過色彩分級進行了修復，確保觀眾能夠真正欣賞到導演黛許理想中的版本。
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![2022愛方向和生日是在[質量個性]中](http://img.xinsiji.cc/20220215/1604989894118215680.jpg)
